Mangiare bio e green non è solo una nuova moda, ma un vero e proprio stile di vita. La ricerca del benessere e dello stare bene con il proprio corpo è una priorità per molti italiani. L’agricoltura bio sta spopolando in varie regioni italiane. Secondo i dati della Coldiretti, solamente la Regione Lazio ha più del 26% di superficie coltivata con tecniche green. Tra le regioni virtuose seguono poi la Calabria, la Toscana e la Sicilia. Come annunciato da Francesco Giardina, responsabile dell’Associazione Produttori Biologici Coldiretti, è un momento molto positivo sia per la domanda che per l’offerta. Nel Lazio e in tutta Italia c’è una grande attenzione e consumo dei prodotti green, con una crescita delle superfici biologiche del 12,9% rispetto ad una crescita nazionale del 5,1%. Ad oggi le aziende orientate alla commercializzazione dei prodotti green e biologici sono quasi seimila. Nel Lazio si producono una serie di eccellenze agroalimentari che seguono nel dettaglio tutte le fasi dell’agricoltura biologica. Si va dagli olii della Sabina e della Tuscia, ai formaggi romani, fino ai kiwi di Latina. Non sono da meno gli ortaggi dell’agro pontino e del litorale laziale. Troviamo anche degli ottimi vini biologici. Tra le eco-aziende virtuose del Lazio si evidenziano l’Agricoltura Nuova e l’Azienda Agricola Boccea. Il Covid-19 non ha fatto altro che dare una forte spinta all’agricoltura biologica. I consumi di alimenti biologici hanno subito una vera e propria accelerazione, arrivando a toccare la cifra record di 4,3 miliardi di euro. I consumatori ricercano maggiore sicurezza negli alimenti che portano sulle proprie tavole. Sono aumentate quindi le certificazioni alimentari ed il biologico in questo la fa da padrone. Con la pandemia si ricercano prodotti di qualità, sostenibili e garantiti: le tre caratteristiche peculiari del biologico.

Elena Parmegiani

L'articolo Il boom dei prodotti alimentari green: dal formaggio al vino i nuovi trend proviene da La Città Magazine.

Il mondo della moda dietro la scintillante facciata di glamour e di luccichio può nascondere a volte storie drammatiche e dolorose. Come quella di Gia Carangi, la prima top model, conosciuta per la sua tragica esistenza, che la porta alla morte all’età di soli 26 anni. Gia nasce a Filadelfia il 29 gennaio 1960. I genitori si separano quando la piccola ha soli undici anni, a causa delle continue violenze che il padre infligge alla madre. La ragazza rimane a vivere con il papà ed i fratelli e cresce senza riferimenti familiari, assorbendo il clima di dolore. La sua instabilità emotiva la conduce ben presto verso l’irreversibile spirale della tossicodipendenza. 

Già da adolescente la Carangi manifesta la sua omosessualità, che non viene accettata di buon grado in famiglia. Ma Gia, grazie ai suoi 1,73 cm di fisico statuario, punta tutto sulla carta della bellezza, spinta anche dalla madre. La svolta della vita arriva presto. All’età di 16 anni viene notata da un fotografo che porta le sue foto a Wilhelmina Cooper, guru del settore. Nel 1978 Gia arriva a New York e scatta il suo primo servizio per Vogue, per Yves Saint Laurent e per Calvin Klein. Proprio sul set delle campagne fotografiche incontra Sandy Linter, make up artist, che diventa la sua compagna. 

Galeotto è un servizio fotografico in cui la Caringi posa nuda. Sono gli anni della consacrazione. Gia diventa la prima top model mondiale grazie ai suoi compensi stellari: 100 mila dollari l’anno. “Ho iniziato a lavorare con gente ben conosciuta nel settore, molto rapidamente. Io non volevo fare la modella. Lo sono diventata col tempo.” Gia diviene la musa preferita di importanti fotografi di moda.

 La top model si differenzia per la sua capacità di posare con naturalezza. Ma questo strepitoso e veloce successo è solo la facciata di un castello che si sgretola inesorabilmente. Gia fa uso abituale di cocaina e di eroina, una drammatica spirale che marchierà inevitabilmente la sua esistenza fino a portarla ad un’atroce morte prematura. 

Elena Parmegiani

L'articolo Gia Caringi la top model divisa tra sogni e incubi proviene da La Città Magazine.

“Il più giovane, il più forte, il più intellettuale centro d’Italia”, così veniva definito alla fine dell’Ottocento il Conventino. La dimora di Francesco Paolo Michetti, pittore e fotografo abruzzese nato a Tocco da Casauria, in provincia di Pescara, si configurava come uno spazio ibrido a metà tra l’abitazione e la residenza privata, una sorta di atelier. Tra le emblematiche mura della magione sono stati scritti persino i celebri versi de Il Piacere di Gabriele D’Annunzio. L’appassionata storia d’amore tra il nobile romano Andrea Sperelli ed Elena Muti prende forma proprio qui a Francavilla al Mare, in provincia di Chieti, a luglio del 1888, per poi vedere la luce ed essere pubblicata l’anno seguente dai Fratelli Treves. Il Vate era un assiduo habituè del Conventino, l’antica casa del Michetti, che deve il suo appellattivo al fatto che in origine i frati abitavano proprio in una delle celle del Complesso dove il famoso poeta italiano immaginò le travagliate vicende sentimentali di Andrea Sperelli. Oggi, come allora, il Conventino affascina per la sua storia, poichè la struttura ha conservato perfettamente la sua veste rinascimentale, con il suo portico, gli oblò, il refettorio, la vasca nel giardino e la stanza di D’Annunzio, testimonianza dei sublimi intrecci umani ed artistici dell’epoca. Il Michetti, infatti, fu l’ispiratore ed il promotore di un fervido cenacolo artistico, che a partire dall’Ottocento si riunì nel convento di Santa Maria del Gesù nella periferia est di Francavilla al Mare, verde collina che guarda l’Adriatico, che proprio il pittore aveva acquistato nel 1885. Da qui prese il nome del Convento Michetti, la magione dove l’artista abitava insieme alla moglie Annunziata Cermignani. Una coppia che all’epoca fece molto scalpore, sposandosi proprio al Conventino, dopo aver avuto il primo figlio. Ma non c’era solo il Vate tra gli illustri frequentatori del luogo. Anche altri letterati e uomini di cultura abruzzesi come il musicista Francesco Paolo Tosti, il pittore Basilio Cascella, lo scultore Costantino Barbella, il giornalista Edoardo Scarfoglio, la scrittrice Matilde Serao, l’antropologo Antonio De Nino, il pittore Francesco Saverio Altamura erano ospiti abituali della residenza abruzzese. Personalità che formavano il “cenacolo michettiano”, una folla di artisti così numerosa, che soggiornava in questo luogo, al punto che lo stesso Michetti arrivò a definire il Conventino come “l’albergo”. Con Gabriele D’Annunzio però Michetti stabilì un profondo sodalizio artistico ed umano che si protrasse fino al 1904. Nel suo testamento spirituale lo scrittore ricordando l’amico scomparso anni fa scrisse: “mei dimidium animi” ed ancora: “mio fratello”. Tutte queste personalità, assidue frequentatrici del Conventino, lavoravano in un’intima comunione d’intenti che aveva come scopo quello della valorizzazione della natura e del popolo d’Abruzzo. Questa fervente atmosfera culturale contribuì alla nascita di moltelpici opere d’arte e lo stesso D’Annunzio si recò al convento per comporre non solo Il Piacere, ma anche Trionfo della morte (1894) e L’innocente (1891). Francesco Paolo Tosti proprio qui realizzò invece la sua romanza più struggente: ‘A vucchella (1892). Il Conventino attualmente è una proprietà privata, abitata dagli eredi del pittore, ma viene aperta in estate per la rassegna A cena con gli artisti che mette in luce in un dialogo profondo le opere di Basilio Cascella, Edoardo Scarfoglio e Gabriele D’Annunzio. Il Convento Michetti ha subito negli anni diversi interventi di restauro che hanno avuto il merito di conservarlo come all’origine. Per anni è stato sede del prestigioso Premio Michetti e di numerosi eventi artistici e culturali. Il convento inoltre racchiude molte opere di Francesco Paolo Michetti. Persino i tessuti utilizzati nell’arredo della struttura e nelle tele artistiche testimoniano la poliedricità e l’eclettismo del grande pittore abbruzzese e dei suoi celebri ospiti. Uno spirito trasversale, sviluppato in diversi anni, che getterà le fondamenta per la creazione e lo sviluppo di un fervido ed attivo polo culturale nazionale con base proprio a Francavilla al Mare. 

Elena Parmegiani

L'articolo Il Conventino, la residenza di Francesco Paolo Michetti dove fu scritto “Il Piacere” di D’Annunzio proviene da La Città Magazine.

Il make up e l’hairstylist durante la guerra

In tempo di guerra come ci si truccava e come ci si sistemava i capelli? Le donne ricercavano ancora una femminilità ed una cura di sé o erano in balia degli eventi? L’universo femminile anche durante il conflitto ci teneva ad avere un’immagine curata ed alla moda. Certamente negli anni Quaranta c’erano enormi difficoltà, in primis quella di reperire materie prime e gli imballaggi per confezionarle. C’erano inoltre diversi ostacoli nelle produzioni industriali, era difficile trovare prodotti per la bellezza, per cui il mondo della cosmesi risentiva della situazione generale del periodo. Le donne, nonostante tutto volevano sedurre e mostrarsi al meglio, anche per ‘reagire’ alle circostanze, ma purtroppo non avevano a disposizione prodotti che fossero all’altezza delle loro necessità. La qualità di questi era molto scarsa, c’era pochissima varietà di colori, le texture erano secche e si sgretolavano e il mercato del rossetto, che fino a quel momento era stato il simbolo principale della bellezza femminile, ne risentì più di tutti. Il periodo segnato dalla Prima e dalla Seconda guerra mondiale, offre un ampio ventaglio di look che rappresentano degli esempi tra i più eleganti del Novecento. Tra i doveri della donna negli anni Quaranta c’è quello di realizzare comunque un make up anni Quaranta per contrastare le atrocità del conflitto, a volte utilizzando anche surrogati più facili da reperire, come il succo di rapa al posto del rossetto, che comunque ha un’importanza fondamentale per sostenere il morale. Le donne sono incoraggiate il più possibile nello sfoggiarlo, infatti in America non viene razionato eccessivamente dopo le proteste delle donne che non vogliono assolutamente rinunciarvi. Negli anni Quaranta semplicità e essenzialità possono essere comunque le parole chiave per definire i look femminili, che vedevano l’uso principale di cipria e rossetto su un viso incorniciato da sopracciglia più naturali e folte che al massimo venivano ritoccate e riempite con un tocco leggero di matita per scurirle un po’. Per il giorno le palpebre erano truccate con un ombretto molto leggero e chiaro. La sera si osava un po’ di più con sfumature e ombretti più scuri per dare più profondità agli occhi. Non si ricorreva all’eyeliner e lo sguardo così rimaneva più naturale. Le labbra erano invece rosse scarlatte. Infine i capelli erano lunghi e con morbide onde, spesso si portavano legati con delle acconciature. Tra i colori più in voga troviamo il nero o il biondo cenere, il castano caramello e il rosso ramato. Le acconciature, a quel tempo, erano considerate vere e proprie opere d’arte, essere in ordine era fondamentale, considerando appunto la parsimonia con cui ci si poteva prendere cura di se stesse. La voglia di femminilità, nonostante tutto, era viva più che mai.  I brand beauty più amati dell’epoca erano Max Factor e Helena Rubinstein, anche i primi a proporre stick per il make-up pratici da usare e trasportare. L’icona di questo periodo è senza dubbio Rita Hayworth, soprannominata l’atomica per le sue curve procaci, con fulvi capelli lunghi ed ondulati, che rappresenta una femminilità seducente e sensuale. La diva divenne famosa grazie alla riviste pubblicate in America durante la guerra, che omaggiavano l’esuberanza e la sensualità delle pin-up dell’epoca. 

Elena Parmegiani

L'articolo La moda anni Quaranta stile e trucco proviene da La Città Magazine.

Forme che rievocano l’impero romano 

E’ un pubblico delle grandi occasioni, più di quattrocento ospiti, quello accorso alla Galleria del Cardinale Colonna per la sfilata di Jamal Taslaq. 

Lo stilista italo palestinese sceglie di omaggiare la Città Eterna che lo ha accolto più di trent’anni fa grazie alla nuova collezione ETERNAL e lancia sul mercato un grande progetto di unione tra popoli, culture, tradizioni e innovazioni: Taslaq World. Dopo ventitré anni spesi a sperimentare il meglio dell’artigianalità italiana e un percorso creativo che da Nablus in Palestina lo ha portato a sfilare, da assoluto protagonista, nella sede delle Nazioni Unite a New York, Jamal ha deciso di celebrare la sua amata Roma. 

In passerella numerosi applausi per gli abiti statuari, bianco e nero e sfumature di verde e rosso per arricchirla; tessuti pregiati, ricami con linee geometriche lavorate con il filo di seta, specchi e cristalli; intarsi in pelle, contrasti che creano armonia tra i colori, forme che rievocano l’impero romano e relative contaminazioni osservate fin da bambino in medio oriente. 

In passerella l’abito omaggio a Roma completamente dipinto a mano e l’abito di organza dipinto a mano in cui era raffigurato un albero di olivo, eterno e sacro come Roma, che rappresenta la Palestina. Consensi per l’uscita finale grazie alla sposa che incede nella maestosa Galleria sulle note della Magnificat di Mina. Nella nuova configurazione, Taslaq World affiancherà Jamal Taslaq Couture per completare l’offerta dello stilista Italo-Palestinese – finora principalmente dedicata a conquistare l’interesse di donne di ogni parte del mondo; dalla Regina Rania di Giordania a Sharon Stone, Ornella Muti, con il fashion maschile su misura. Nel tempo, la Joint Venture con WorldcApp.com e Reda Industries estenderà i suoi orizzonti per includere tutto ciò che un artista come Jamal può ideare e creare. 

Ad accorrere all’evento le attrici Nancy Brilli, Maria Rosario Omaggio, Grazia Schiavo, Alessia Fabiani, Raffaella Paleari. 

Elena Parmegiani

L'articolo Jamal Taslaq incanta Roma con la collezione Eternal proviene da La Città Magazine.

L’hotel dal fascino antico

“È possibile innamorarsi a prima vista di un luogo come di una persona.” affermava il romanziere inglese Alec Waugh. Questa è la sensazione che avrete soggiornando al VesConte di Palazzo Cozza Caposavi. La residenza nobiliare è situata sul Lago di Bolsena, nell’Alta Tuscia. Un posto unico, insignito da Forbes tra i 19 alberghi più belli del 2019, una piccola capitale del turismo esperienziale in cui hanno soggiornato personalità del calibro di Stendhal, Giovanni Verga, Guglielmo Marconi, Federico Fellini. Ma anche il Principe Carlo Ludovico di Borbone, Papi e membri di famiglie reali.

Da oltre cinquecento anni l’aristocratica dimora ha visto un susseguirsi di personalità di tutte le arti e le scienze che ne hanno saputo apprezzare la magnificenza. L’artefice della trasformazione da Palazzo storico ad albergo diffuso è Francesco Cozza Caposavi, figlio del Conte Lorenzo Cozza Caposavi, da cui ha ricevuto il testimone di questa avventura secolare. Si può scegliere tra la camera di Stendhal o quella di Carrie Fisher. Tante sono le stanze dense di ricordi avvenuti negli ultimi cinque secoli. Sono anche numerosi gli artisti che da qui hanno operato: Tano Festa, Enrico Castellani, Mario Schifano, Alberto Burri, Balthus. Una storica casa privata, ma che ha tutte le comodità di un hotel che annovera venticinque posti letto, un ristorante, un’enoteca, un percorso museale. Sarete rapiti dal fascino della Stanza Blu, dell’antico Salotto Cinese e della Biblioteca, ma anche dai dipinti del Rosa da Tivoli, le cui opere si ritrovano niente di meno che a Casa Leopardi. 

Vi ritroverete a fantasticare nel Salotto degli Antenati o nel Salone del Tempesta, dove il Tempesta ha realizzato le tele dei dodici Cesari, ovvero gli imperatori Romani. Nella sala delle colazioni vi imbatterete in un camino di epoca farnesiana che illumina le carte della manifattura Zuber. Queste rappresentano la più gloriosa vittoria di Napoleone.

Un cimelio di cui ne esistono solo tre esemplari al mondo.

Elena Parmegiani

L'articolo Il VesConte di Palazzo Cozza Caposavi proviene da La Città Magazine.

“Non volevo fare la modella. Lo sono diventata col tempo”

Il mondo della moda dietro la scintillante facciata di glamour e di luccichio può nascondere a volte storie drammatiche e dolorose. Come quella di Gia Carangi, la prima top model, conosciuta per la sua tragica esistenza, che la porta alla morte all’età di soli 26 anni. Gia nasce a Filadelfia il 29 gennaio 1960. I genitori si separano quando la piccola ha soli undici anni, a causa delle continue violenze che il padre infligge alla madre. La ragazza rimane a vivere con il papà ed i fratelli e cresce senza riferimenti familiari, assorbendo il clima di dolore. La sua instabilità emotiva la conduce ben presto verso l’irreversibile spirale della tossicodipendenza. 

Già da adolescente la Carangi manifesta la sua omosessualità, che non viene accettata di buon grado in famiglia. Ma Gia, grazie ai suoi 1,73 cm di fisico statuario, punta tutto sulla carta della bellezza, spinta anche dalla madre. La svolta della vita arriva presto. All’età di 16 anni viene notata da un fotografo che porta le sue foto a Wilhelmina Cooper, guru del settore. Nel 1978 Gia arriva a New York e scatta il suo primo servizio per Vogue, per Yves Saint Laurent e per Calvin Klein. Proprio sul set delle campagne fotografiche incontra Sandy Linter, make up artist, che diventa la sua compagna. 

Galeotto è un servizio fotografico in cui la Caringi posa nuda. Sono gli anni della consacrazione. Gia diventa la prima top model mondiale grazie ai suoi compensi stellari: 100 mila dollari l’anno. “Ho iniziato a lavorare con gente ben conosciuta nel settore, molto rapidamente. Io non volevo fare la modella. Lo sono diventata col tempo.” Gia diviene la musa preferita di importanti fotografi di moda.

La top model si differenzia per la sua capacità di posare con naturalezza. Ma questo strepitoso e veloce successo è solo la facciata di un castello che si sgretola inesorabilmente. Gia fa uso abituale di cocaina e di eroina, una drammatica spirale che marchierà inevitabilmente la sua esistenza fino a portarla ad un’atroce morte prematura. 

Elena Parmegiani

L'articolo Gia Caringi la top model divisa tra sogni e incubi proviene da La Città Magazine.

ispirata all’arte futurista di Regina Cassolo Bracchi

Con la nuova collezione FW 2022-23 Vittorio Camaiani ci porta ad incontrare un’affascinante artista d’avanguardia, Regina Cassolo Bracchi, nota come “Regina”, attiva soprattutto a partire dagli anni Trenta ed una delle più singolari artiste del Futurismo milanese.

 Le sue sculture in alluminio, plexiglas e acetato stupirono il pubblico di allora e ancora oggi appaiono dotate di una particolare bellezza e modernità. I tratti essenziali e le geometrie astratte erano i segni distintivi di Regina, che in questa collezione si trova a dialogare con lo stilista marchigiano e le sue stoffe. È un lavoro “a quattro mani” in cui le forme rigide della scultura vengono trasformate e traslate su tessuto da Camaiani in un continuo rimando all’estetica di Regina, ma rese morbide e fluttuanti, pronte per avvolgere il corpo femminile. Nel dialogo tra Regina e Camaiani sculture, strutture e disegni diventano l’alfabeto della loro comunicazione; linee rotonde, triangoli, forme astratte si appoggiano sulla donna Camaiani. 

La collezione si struttura sui colori dei materiali utilizzati da Regina come il grigio dell’alluminio e il giallo, il verde e il rosa del plexiglas. Un abito prende vita da una scultura in plexiglas, un giaccone segue le linee di una sfera, le gonne a punta come le sculture salgono e scendono dall’orlo e seguono un bozzetto di Regina. Piccoli triangoli colorati si appoggiano al rigore di un tubino, i pantaloni si muovono fluidi e finiscono sull’orlo piegati come in una sua scultura, come anche le maniche di una elegante camicia bianca, pezzo iconico di Camaiani presente in ogni sua collezione. 

Capo emblematico della collezione è il giaccone “1969”, ripreso da una scultura in plexiglas bianco e trasparente o quello giallo in cachemire ricamato a motivi che evocano il canarino scolpito da Regina negli anni 1925/1930. 

I colori dominanti della collezione sono il grigio perla e il grigio ferro, diverse tonalità di verde, dal marcio al bottiglia, il giallo, il nero, il rosa e il blu. I materiali sono principalmente cotone, seta crepe de chine, il jersey, crepe di lana, vigogne, rasatelli e cachemire. 

Questa collezione costruita “a quattro mani” porta con sé dunque i tratti riconoscibili di entrambi, in un continuo intreccio tra le rispettive estetiche, come testimoniano i bozzetti dello stilista, per la prima volta siglati a doppia firma, “Camaiani-Regina”.

Elena Parmegiani

L'articolo La nuova collezione di Vittorio Camaiani proviene da La Città Magazine.

Grande successo per la collezione invernale a Palazzo Colonna

Più di trecento persone sono intervenute alla sfilata di Morfosis Imperfezioni 9 Fall/ Winter 22-23 nel prestigioso Palazzo Colonna a Roma. Il brand della stilista Alessandra Cappiello ha scelto infatti nuovamente la storica residenza nobiliare, questa volta la prestigiosa Galleria del Cardinale Colonna, per la presentazione della nuova collezione. Una sfilata dal sapore rock grazie alla musica della dj Blade. Tra il parterre vip si distinguevano: Anna Falchi, Liliana Fiorelli, Lucia Mascino, Eugenia Costantini, Angelica Giusto, Grazia Schiavo, Sofia Taglioni e Jacopo Rampini. È sempre la consapevolezza dell’imperfezione, che caratterizza l’essere umano nella sua indole più intrinseca e profonda, la forza della Donna Morfosis e il filo conduttore della collezione. 

“Scegliere uno stile scintillante restando ancorati alla realtà, alla quotidianità, all’eleganza di quel vestito, quella camicia, quel cappotto che proprio vorremmo trovare sempre nel nostro armadio – racconta la stilista – Affermare il proprio modo di essere attenti alle risorse del Pianeta scegliendo capi destinati a restare nel tempo”. I velluti e le sete si affiancano alla leggerezza dei pizzi e alle trame dei preziosi jacquard, dove tralci di rose si abbracciano tra loro, e le fantasie si sovrappongono miscelandosi, per creare look eleganti e sempre graffianti in ogni occasione, questa volta anche per le spose. Uno stile esclusivo in continuità con l’artigianato, la manualità e la preziosità di una volta, la ricerca dei dettagli dei materiali sono il frutto della collaborazione coi migliori artigiani e atelier europei, e tendono all’obiettivo di un prodotto finale mai scontato, non omologato. 

Tutto ciò è stato esaltato dalla maestosità della Galleria del Cardinale Colonna costruita nel 1730 dall’architetto Paolo Posi, le cui colonne, si narra, provengano dal Pantheon. La struttura fu destinata dal cardinale Girolamo II a biblioteca, e nel 1803 ospitò persino il battesimo dell’imperatrice d’Austria.

Elena Parmegiani

L'articolo Morfosis Fall/Winter 2022/2023 proviene da La Città Magazine.

Le nuove proposte che ci aspettano in fatto di preziosi

La Fashion Week arriva a Milano dal 20 al 26 settembre 2022 e le patite della moda si dilettano con le innumerevoli sfilate, celebrità e momenti iconici. Ma quali tendenze possiamo aspettarci quest’anno? In passerella non manca la grinta e l’audacia, ma anche il filone del minimal. Catene e oro a bizzeffe, anelli oversize e ciondoli; questi pezzi sono in ogni angolo. C’è un ritorno agli Anni Novanta e l’inizio del 2000, gli accessori voluminosi sono ovunque quest’anno. L’amore per le perle non tramonta affatto, complice anche l’effetto Queen Elizabeth. 

Altri accessori che possiamo vedere attraverso il resto del Fashion Month sono i gioielli di fantasia. “More is less” e “Bigger is better” assumono tutti i loro sensi, dagli stili funky colorati ai disegni stravaganti, sono ovunque sui podi. Questo è anche il parere di Daena Borrowman di Jewellerybox. Lo streetwear, la tendenza di quest’anno, è al suo apice. Gli ibridi fashion-Sportswear sono ovunque in questa stagione (e probabilmente anche la prossima) con pantaloni cargo, t-shirt Y2K e sneakers molto Hypebeast. Con un focus sul glamour, senza però risparmiare alcuni elementi del classico “core craft”, nel 2022 c’è una rinascita sotto forma di neo-Boho. Come il mix tra gli stivali da cowboy e i diamanti. 

Abbiamo visto il glamour degli Anni Cinquanta con sciarpe e pois tornare, così come le minigonne degli anni Sessanta e nodi a Lavallière degli anni Settanta. In ogni epoca vogliamo sempre di più. Lasciando poco spazio all’immaginazione, anche i vestiti trasparenti sono al loro apice. Osserviamo una netta tendenza quest’anno: i mini abiti con collant bianchi e top asimmetrici, le sfilate servono anche da ispirazione nuziale. Da Elle Wood a Barbie la scelta del rosa è stata inevitabile. Da quello pastello al neon, la palette cromatica rosata riprende il proprio posto nei nostri armadi. Nel 2022 vediamo la vita in rosa, finalmente! 

Le sfilate della Settimana della Moda sono le più luminose di sempre. La fusione dei colori, gli assortimenti inaspettati e i toni misti sono il mix su cui puntare. La tendenza degli Anni Novanta riporta il raso, sotto tutte queste cuciture. Pensate al lusso con setole e spalline di spaghetti. Per mantenere l’atmosfera degli Anni Novanta aggiungeremo decorazioni glitterate e accessori oversize.

Elena Parmegiani

L'articolo Milano Fashion Week 2022: il trend dei gioielli che verranno proviene da La Città Magazine.